Abrázame en el pórtico del llanto,
donde flotan de luto las banderas;
mis lágrimas murieron agotadas,
y quiero una vez más llorar por ella.

Pasó el viento de largo sin ser visto,
vino la lluvia y se perdió en la tierra, 
se consumió la lámpara en la noche,
y se durmió la luz en las tinieblas.

Y ella en su lecho se agostó despacio
como el rosal sobre la tierra seca;
y absorbió oscuridades en los ojos,
y la palabra fue perdiendo fuerza.

Con invisible mano fría el tiempo
borró el color y la vistió de niebla;
mas ni el dolor ni la desesperanza
menguaron su enigmática belleza.

Oh soledad, que te juzgué dormida,
y penetraste en mí sin resistencia,
uniendo su partida y tu llegada
en la noche del alma triste y negra.

Cómo vino a ser parte de mi vida,
y cómo su dolor se hizo mi pena,
y al llegar el momento inevitable
de cruzar la fatídica frontera,
me arrebató la flor del sentimiento
dejando mi alma inánime y desierta.

Soledad que viniste con su muerte, 
ayúdame a llorar por mí y por ella.

Que en paz descances princesa.

La banda tomó sus influencias de bandas estadounidenses tales como: Led Zepellin, Korn, Rage Against the Machine, Rush y Deftones, pero establecieron un lugar para ellos mismos combinando los ritmos afro-caribeños y latinos de la salsa puertorriqueña con el estilo “heavy metal”. De hecho, esta fusión de géneros no se desarrolló hasta que la banda se trasladó de Puerto Rico a Florida, EEUU, en el 1992.

Extrañando la salsa de su natal Puerto Rico, desarrolláron un estilo único en la música rock, influenciado por salseros clásicos tales como: El Gran Combo, <a href='http://www.musicofpuertorico.com/es/tito_puente.html" title="">Tito Puente, Willie Colón y Hector LaVoe, y otras bandas latinas. La escencia de tales ritmos latinos fueron incorporados al sonido “heavy metal” de Puya. Según el vocalista principal, Curbelo: “Una vez nos apartamos de nuestra patria, empezamos a incorporar nuestras raíces latinas en nuestra música… fue algo conciente, pero se sentía natural.”

Estando en Florida, el percusionísta puertorriqueño Eggie Castrillo y Mike Smart (saxofón), se unieron a la banda. Puya entonces hizo su debut profesional con su álbum-cassette, “Whisker Biscuit”. Después lanzaron su primer CD, Puya, con 13 cortes y una colaboración con la Sección de Metales James Brown. en 2 canciones. Mientras que su estadía en Florida resultó en un avánce musical para Puya, los miembros de la banda decidieron volver a Puerto Rico, con la excepción de Curbelo.

La fama de Puya comenzó a extenderse rápidamente con su primer CD, y la banda viajó a Colombia, donde tuvieron un exitóso concierto, y se mudaron a Los Angeles donde firmaron un contrato de grabación con MCA Records. Puya lanzó su segundo álbum, Fundamental, en 1999 bajo el sello MCA. El álbum contenía una mezcla ecléctica de canciones, tales como la canción titular, Fundamental, la cual cambiaba líbremente del español al inglés. También demostró el éxito de la fusión entre el heavy metal y los ritmos latinos, añadiendo al interés del mercado norteamericano, y pavimentando el camino para giras con bandas conocidas en los Estados Unidos, tales como Spine Shank y Fear Factory.

El primer album de Puya atrajo muy buenas revisiones de la revista Rolling Stone y otras. Puya se preparaba para una repetición. El tercer álbum de la banda, Unión, fue lanzado en el 2001, con canciones escritas por Ortíz y Hopkins. El título del álbum refleja el mensaje social de Puya y la necesidad de armonía racial y unidad.

Desde ese álbum, Puya ha viajado a muchos países con otras bandas conocidas; americanas y latinas, y actualmente se prepáran para una gira mundial en el 2003.

En el 67, se celebró el Golden Gate Festival donde la música que interpretaron todas las bandas que allí participaron constituía una evolución del folk-rock, canciones e instrumentales que se alargaban a lo largo de interminables jams con la guitarra eléctrica como protagonista en escena. Y mientras un tal Jimi Hendrix causaba sensación en los pubes de Londres, Paul Batterfield, excelente guitarrista de blues, grabó "East-West"; Fugs hicieron lo mismo con "Virgin Forest" o Sedes con "Up In Her Room", auténticas enciclopedias de la improvisación.

En ese momento apareció una de las mejores formaciones de rock de todos los tiempos, Jefferson Airplane, con los primeros himnos del movimiento: "Somebody To Love" o "White Rabbit" en álbumes histórcos como "Surrealistic Pillow" y "After Bathing At Baxter's", ambos de 1967. Año y medio después grabaron "Volunteers", auténtico alegato contra la guerra de Vietnam. Contemporáneos a los Airplane fueron Grateful Dead, otro de los grandes grupos de siempre que destacaron por sus prodigiosas improvisaciones en el escenario comandados por el mítico Jerry Garcia, creyente que la música se crea en directo, prefiriendo el formato live a la grabación en estudio, algo que no les reportó demasiadas ventas. Entre sus discos están "Anthem Of The Sun" (1968) o "Live Dead" (1969), en donde Garcia desembocaba en una apocalíptica jam titulada "Dark Star". No fue casualidad que los Dead conquistaran el alma de los jóvenes norteamericanos de aquellos años, junto a Dylan y The Byrds

Por supuesto, las grandes compañías discográficas comenzaron a explotar el fenómeno, destruyendo el concepto original de una jam, encogiendo las canciones para llegar a una mayor cantidad de público. Pero 1967 dio para más: Kaleidoscope fusionó el jazz, el country y melodías indias en "Side Trips" y "Beacon From Mars"; Electric Flag editó "Trip", parecida mezcla de psicodelia, country y blues; Moby Grape con "Grape Jam"; Quicksilver, otra de las grandes de la escena ácida de San Francisco, impresionó con "Happy Trails", en 1969, un año después de que Steppenwolf pasaran a la historia con su "Born To Be Wild", canción que acompañó a Dennis Hopper y a Peter Fonda a lo largo de EEUU en "Easy Rider".

Y es que fue ese año, 1967, el año clave del rock ácido californiano por varios motivos: la aparición de gran cantidad de bandas, muchas de las cuáles sobrevivieron y llegaron a la década de los setenta; la publicación de "Sgt. Peppers" por parte de The Beatles, algo que respondía a la clara influencia al otro lado del Atlántico y la celebración de uno de los festivales más importantes e históricos del siglo XX, el Monterrey Festival, con Hendrix, Janis Joplin, los Airplane, The Who (desde UK)o The Mamas And The Papas como cabezas de cartel (de esa celebración vienen las históricas imágenes de Jimi Hendrix rociando su guitarra con gasolina y prendiéndola fuego).

Pero si abandonamos San Francisco y nos trasladamos a Los Angeles, veremos que la escena protagonista de este artículo fue casi tan importante como en la ciudad que la vio nacer. Influenciados por The Rolling Stones y The Byrds, Strawberry Alarm Clock debutó "Incense And Peppermint", un álbum más salvaje y crudo de lo normal; Seeds, igual de violentos, editaron los frescos y salvajes "Seeds" y "A Web Of Sound". Seeds, aunque menos conocidos, fueron tan importantes e influyentes como Iron Butterfly y su extraordinaria "Heavy". Luego estaban los Spirit, quienes grabaron algunos de los discos más psicodélicos (técnicamente hablando) de la época: "Spirit" (1968), "The Family That Plays Together" (1969), entre otros. No podríamos olvidarnos de Love, otra de las formaciones representativas que pasó de influencias folk-rock en "Love" (1966) a "Da Capo", su obra maestra editada, cómo no, en 1967.

Por su parte, entre el 67 y el 70, Hendrix publicó varios discos donde su guitarra era la absoluta protagonista, encargada de abrir las puertas a nuevas experimentaciones. Suyos son los discos: "Are You Experienced", "Electric Layland" y "Band Of Gypsys". El mejor guitarrista de rock de todos los tiempos.

Finalmente y como guinda al pastel, de la playa de Santa Mónica surgieron The Doors
En 1969, y para protestar contra la guerra de Vietnam, un granjero de Woodstock cedió sus terrenos para que toda una generación pudiera reunirse durante tres días y disfrutar de la música de los artistas y grupos más representativos de la época, desde el propio Hendrix y Janis Joplin hasta Joan Baez, The Who, Joni Mitchell o The Jefferson Airplane. Tambieron faltaron Dylan, The Doors o Grateful Dead.

Grupo de pop-rock holandés, cuya significación va mucho más allá de su gran éxito "Venus", cimentada en el liderazgo compositivo e instrumental de su guitarrista Robbie Van Leeuwen y en el atractivo de su gran cantante femenina Mariska Veres, una mujer de aguerrida e impetuosa vocalidad, similar a la de Grace Slick.

Van Leeuwen era ya un importante personaje en el mundillo musical holandés, siendo parte primordial del grupo beat The Motions.

Las divergencias con la otra pieza clave de los Motions, el cantante Rudy Bennett, llevó a Robbie a abandonar la formación en 1967 para formar Shocking Blue, una banda de La Haya que en su primera encarnación estaban integrados, además de por Van Leeuwen en la guitarra, por el cantante Fred De Wilde (ex guitarrista de Hu and The Hilltops), el bajista Klassje Van der Wal y el batería Cornelius "Cor" Van der Beek.
Estaban representados por Cees Van Leeuwen, que a pesar de la coincidencia de apellidos (bastante común en Holanda), no guardaba ningún tipo de parentesco con Robbie.
En 1967 grabaron para Polydor suprimer sencillo, una composición de Robbie titulada "Love is in the air", que pasó bastante desapercibida. Más suerte tendrían en Pink Elephant, sello en el cual publicaron en 1968 "Lucy Brown is back in town", una pieza de infeccioso pop con influencia de la British Invasion que alcanzó el puesto 21 en Holanda.
También en 1968 publicaron el Lp "Beat with us".

Ese mismo año, su representante acudió a una fiesta organizada por el grupo Golden Earrings, considerados como los Hollies holandeses, cuando consiguieron su primer número 1.
En la fiesta actuó un grupo denominado Bumble Bees. Su cantante, la sexy Mariska Veres asombró a Cees Van Leeuwen con su poderosa voz de alma blues y no tardó en incorporarla a los Shocking Blue, en detrimento de Fred De Wilde.
El primer single del grupo con la presencia de Mariska, con ascendencia germana y húngara, sería "Send me a postcard", una vibrante canción con fuzz guitar que definía su nuevo sonido.
Sin perder el sentido melódico, Robbie endurecía sus composiciones y enriquecía sus pautas pop con el arrojo de los grupos mod británicos, empapando algunas piezas de aromas lisérgicos.
"Send me a postcard" cosechó excelentes ventas, logrando subir hasta el puesto 11 en Holanda.
"Long Lonesome Road" tampoco pasó inadvertido, consiguiendo establecer a los Shocking Blue como la nueva sensación del rock holandés y a Mariska como una de las divas del momento en el concierto europeo, especialmente tras el megaéxito "Venus", un clásico que curiosamente llegó al número 1 en casi todo el mundo en el año 1969 menos en Holanda, que logró posicionarse en el puesto 3.
En Estados Unidos fue publicado por Jerry Ross en el sello Colossus en diciembre de 1969, alcanzando en febrero de 1970 el puesto más elevado de las listas.
"Venus" ostenta un récord importante, fue número 1 en los Estados Unidos en tres ocasiones por tres grupos diferentes: Shocking Blue en 1970, Stars on 45 en 1981 y el trío femenino Bananarama en 1986.
La habilidad instrumental de Van Leeuwen, que tanto dominaba los sonidos acústicos como eléctricos, además del sitar, la eficaz sección rítmica de Van Der Wal y Van Der Beek y la poderosa factura vocal de Mariska Veres ofertarían posteriores singles de igual o superior calidad que "Venus", pero lamentablemente no volverían a encontrar resonancia en las listas estadounidenses, aunque sí proseguirían con éxito en el continente europeo gracias a singles como "Mighy Joe" o "Never Marry a Railroad Man" (ambos número 1 en Holanda) o al Lp "At Home" (1969), disco producido por Robbie, en el que incluían "Venus", "Long Lonesome Road" o "Love Buzz", un tema posteriormente versionado por el grupo de Kurt Cobain Nirvana en su disco "Bleach".
Un año después se incorporó a la banda un guitarra rítmico llamado Leo Van de Ketterij, convirtiendo a Shocking Blue en quinteto. Poco antes de la grabación de su tercer Lp, "Scorpio's Dance", un album que incluía el single homónimo o la balada "Daemon Lover".
Singles de gran valía, editados al margen de sus Lps. fueron "Hello Darkness", "Blossom Lady" y "Out of sigh, ouf of mind".
En "Third Album" (1971), cuarto de Shocking Blue y tercero con Mariska, incluían "Shocking you", en "Inkpot" (1972) el estupendo single homónimo con sonidos de sitar, un instrumento muy apreciado por Robbie y en "Attila" (1972) el pegadizo tema "Rock in the sea".
En la grabación de "Inkpot" ya no se encontraba Kassje Van Der Wal, que abandonó el grupo, siendo reemplazado por Henk Smitskamp, antiguo miembro de los Motions y de Willy & Giants.
"Eve and the apple" y "Oh Lord" serían las últimas entradas importantes en las listas holandesas.
Robbie Van Leeuwen, ante la ausencia de más triunfos en los Estados Unidos, fue perdiendo el interés en el grupo y decidió retirarse del directo, siendo sustituido por Martin Van Wijk.
Después del Lp "Dream on dreamer" (1973), Robbie abandonó definitivamente los Shocking Blue, que terminarían separándose después del album "Good Times" (1973), disco titulado como la canción de los Easybeats, que publicarían como sencillo.
Uno de sus último singles fue "Gonna sing me a song", una canción claramente deudora de los sonidos de ABBA, alejados ya de sus primeras tendencias.
Robbie Van Leeuwen retornaría en 1976 liderando la banda Galaxy Lin, un grupo con tendencias folk y jazz. Mariska, por su parte, daría inicio a una carrera en solitario sin demasiada trascendencia.

Nombre completo: Mauricio Férez Yásbek

Lugar de nacimiento:Tampico, Tamaulipas, México

Fecha de nacimiento: 16 de diciembre de 1926

Fecha de fallecimiento: 27 de febrero de 1989

Mauricio Férez Yazbek, nació un 16 de Diciembre de 1926 en Tampico Tamaulipas. Sus padres, de origen libanés, lo llevaron a vivir a la Ciudad de México cuando tenía apenas 7 años, ya que el negocio de su padre se había ido a la quiebra debido a la Expropiación Petrolera.

Mauricio Garcés estudió Ciencias Químicas hasta que se vio obligado a dejar sus estudios para comenzar a trabajar, primero de cobrador en una mueblería, luego de redactor en un diario de la Capital y más tarde en la radio. Fue entonces cuando inició su carrera cinematográfica.Fue su tío Tufic Yásbek, un popular retratista de estrellas de cine, quien introdujo al joven Mauricio en el mundo de la farándula mexicana.

Su carrera como actor contó con el apoyo de otro tío, el productor José Yásbek, quien lo incluyó en el reparto de La muerte enamorada (1950), comedia estelarizada por Miroslava y Fernando Fernández. A partir de esa película, Mauricio Garcés adoptó el apellido artístico "Garcés" por considerar que la letra "G" podría traerle buena suerte y convertirlo en una estrella del calibre de sus ídolos Clark Gable, Gary Cooper y Cary Grant.

El personaje de galán otoñal, elegante y mundano que lo hiciera tan famoso surgió gracias a la visión de la productora Angélica Ortiz, madre de la actriz Angélica María, quien contrató a Mauricio para estelarizar Don Juan 67 (1966) primera de una serie de películas en las que interpretó a su alter-ego "Mauricio Galán". El matrimonio es como el demonio (1967), Click, fotógrafo de modelos (1968), El criado malcriado (1968), Departamento de soltero (1969), Fray Don Juan (1969) y Modisto de señoras (1969) son algunos de los títulos más populares de la extensa filmografía del "zorro plateado".

Algunas de sus inolvidables frases: “¡Arrrooozz!”, “¡Suertuda!”, “¡La traigo muerta!”, “Te voy a hacer pedazos!”, “Ha de ser terrible tenerme y después perderme”, “Les tengo una excelente noticia: Ya llegué!” y “¡Ah no!, a mi que no me busquen porque no me encuentran!!”.

Mauricio Garcés, el “Zorro Plateado”, murió el 27 de Febrero de 1989 a los 63 años, víctima de Enfisema Pulmonar debido a su afición por el tabaco.

   En su primera jornada como estibador impresionó a todos con su descomunal fuerza al cargar sobre su espalda cuatro sacos de azúcar recién llegado de Cuba, que juntos pesaban, poco más poco menos, 150 kilos. Tenía una voz suave y dulce que contrastaba con las dimensiones de su cuerpo. A la vez poseía un espíritu noble y se conmovía fácilmente ante la adversidad de sus semejantes, razón por la cual auxiliaba con gusto a los alijadores menos fuertes. Debido a esta actitud, tuvo muchos amigos, y fuero ellos quienes le empezaron a llamar “Pepito” en tono afectuoso y sin dobleces.

   A sus dieciocho, Pepito rebasaba ya los dos metros de altura. No experimentó, como es de suponerse, los placeres de la adolescencia, lo que sin duda lo hizo infeliz. A medida que su cuerpo crecía, su espíritu parecía contraerse, de tal manera que dejaba la impresión de estar habitado totalmente por la tristeza. Por alguna razón, dejó su trabajo en los muelles e ingresó al Sindicato de Trabajadores Terrestres. Ahí, su labor consistía en subir la carga a los camiones, en virtud de su imposibilidad para entrar a las bodegas. En Tampico, las puertas y los muebles de todos los recintos no estaban diseñados para su estatura. Por ello, prefería recorrer a pié la distancia de su casa a su trabajo, antes que abordar con dificultad cualquier vehículo. En las salas de cine –suponemos- forzosamente veía de pie las películas o bien desde la primera fila. Seguramente se sintió extraño, como una especie de Gulliver tratando de estar en el país de Lilliput, y muy pocos entendieron que era humano y que le molestaba no ser tratado como tal. Para él, aquellos que lo veían como un mono de circo, merecían ser hijos del gato burlón de Cheshire.

   José Calderón trabajó durante más de quince años en el Sindicato de Terrestres, período durante el cual se le conoció con el sobrenombre que llevaría más allá de su muerte: Pepito El Terrestre. En 1956, ya enfermo de la pleura y probablemente con más de una hernia enquistada en su cuerpo, abandonó su trabajo de cargador. Se dedicó entonces a vender billetes de lotería y a chacharear” como a él le gustaba decir. Para entonces, medía dos metros más veinte centímetros, y las dificultades para conseguir pantalones, camisas y zapatos de su medida hubieran sido insalvables de no ser porque su madre le confeccionaba la ropa, y un viejo zapatero de los mercados, le fabricaba alpargatas especiales para sus pies planos. Indudablemente, su presencia en las calles del puerto era un espectáculo para propios y extraños.

   Los viejos ahora cuentan que alguna vez los policías intentaron detener a Pepito por deambular ebrio en el centro de la ciudad, y que cuando él imaginó el malestar que causaría a su madre se resistió. Los oficiales, al parecer, lo quisieron doblegar hasta hacerlo enfurecer y el gigante, fuera de control, se deshizo de ellos y levantó la patrulla por un costado hasta volcarla. Tiempo después, en entrevista que concedió a un periodista de México (quien lo acompaña en la fotografía), Pepito aseguró que esas eran invenciones de la gente.

   De lo que no hay duda, es que en toda América Latina no existía entonces ningún se humano que alcanzara su estatura. Por ello, se sabe que un extranjero lo quiso llevar a jugar basquetbol a Estado Unidos y que varios propietarios de circo le ofrecieron empleo. No aceptó ninguno de tales ofrecimientos, aunque sí accedió a las peticiones de un empresario de Guadalajara temporalmente a promocionar unas vitaminas infantiles, y en otra ocasión, aceptó el papel de réferi en una pelea de enanos. Su argumento más sentido y honesto para rechazar cualquier oferta era el de “tengo que cuidar a mi madre; no puedo dejarla
sola”.

   Pepito El Terrestre murió el 15 de octubre de 1973, cuando había alcanzado la fabulosa estatura de dos metros más treinta y cinco centímetros. Su funeral fue singular: Debieron construir un ataúd especial y la carroza que transportó sus restos al panteón realizó el trayecto con la portezuela abierta, porque la caja mortuoria no cupo en su interior. Fue sepultado sin mayores honores, salvo el de aquellos que lo amaron sinceramente. Los periódicos publicaron escuetamente la noticia y los cronistas de la ciudad, empeñados en registrar solo la historia oficial, jamás se ocuparon de su vida.

   Un joven escultor, hace meses, se comprometió a realizar una escultura de tamaño natural en su honor, y posiblemente muy pronto la termine.

Poco tiempo después y a raiz de la desintegración de DECADENCIA invitan a el Chompis a tocar el bajo con esta alineación se presentan durante algun tiempo hasta que el Virus decide emigrar a Tijuana y unirse durante algun tiempo a SOLUCION MORTAL.
La banda se encuentra con otro gran problema seguir o tronar. Después de pensar bien las cosas y darse cuenta de lo que habian logrado el Chompis se pasa a la guitarra y Pedro de BRIGADA CRIMINAL entra a la banda a tocar el bajo y asi se completa la alineación, con los mismos problemas , falta de equipo, lugar de ensayos el grupo no se desanima y se mantienen como una de las bandas mas importantes de la escena Hardcore-Punk. Después de mucho esfuerzo la banda se mete a grabar un disco que con mucho esfuerzo logran sacar con medios conseguidos con amigos. Por fin la banda se desintegra casi a el mismo tiempo que ATOXXXICO dejando así un hueco muy difícil de llenar , este grabación es con la alineación original y el ensayo tambien ,lo que es un legado de esta gran banda.